1960年代後半から1970年代初頭にかけて、レコーディングアーティストはヒット曲を急速に制作し始めました。その増加に伴い、平均的な人々の間で歌詞付きのポップソングに耳を傾けたいという欲求が生まれました。このトレンドは60年代に特に人気が高まり、現在カラオケとして知られているものが生まれました。新しいテクノロジーにより、外出先でポータブルデバイスを使用して音楽を聴くことが可能になり、ミュージシャンが音楽を簡単に再生できるようになりました。今、あなたは楽器を学ぶ必要はありません！

1971年、井上大佑は彼の音楽パフォーマンスをより多くの聴衆に届けるために最初のカラオケマシンを作成しました。このデバイスは、独自のリズムとエフェクトを追加しながら歌いながら、8トラックの録音を再生することを目的としていました。しかし、最も重要なことは、彼は自分の発明を「カラオケ」と名付けたということです。これは、「sky」と「o：son」という単語の組み合わせです。それは音楽が常に空で演奏されているという認識をほのめかします。

カラオケは何年にもわたって大きく変化し、オンラインになり、歌詞にすぐにアクセスできるようになりました。それはより便利になり、またより良い品質のパフォーマンスを可能にします。今日存在する音楽の量は飛躍的に増加し、音楽愛好家がお気に入りの映画、曲、ゲームのサウンドトラックを聞くための新しいデジタルアウトレットが追加されました。昔と同じように部屋でカラオケを楽しむオプションもあります。

カラオケは日本人に人気のある長い歴史がありますが、豊かな伝統もあります。一緒に歌うのは楽しくて人をつなぐのに役立ちますが、伝統的なカラオケは、日本の幼い子供たちが外で時間を過ごしたり、友達と楽しんだりする機会としてよく使われます。カラオケルームを借りることには多くの利点がありますが、主なハイライトはそれがあなたに友達との時間を提供することです。それも楽しいです！

カラオケの外出は、多くの場合、レストランや居酒屋に立ち寄って飲食することから始まります。場合によっては、これは飲み会パーティーと呼ばれます。これは、会社の従業員が集まってみんなを楽しませるために集まるときです-しばしばカラオケをフィーチャーしています。カラオケはセカンドパーティの活動です。飲むだけでなく、他人を判断せずに騒がしい時間を過ごすことができます。

カラオケは日本文化の大部分です！あなたがアマチュアであっても、歌うのは恥ずべきことではありません。判断を恐れることなく、歌を通して自分を表現する楽しさと喜びを今でも体験することができます。ボタンを押すだけで同じような体験ができるのに、なぜカラオケを歌うのに多くの時間、お金、エネルギーを費やすのですか？ビジネスマンは、これらのブースを全国のカラオケバーに追加することで成功を収めました。これらの種類の操作は、予算や時間の制約に関係なく、誰でもアクセスできます。

カラオケは、パフォーマンスの質が本質的に重要であるため、日本で非常に人気があります。伝統があり、ゆっくりとカラオケボックスに行って歌います。多くの活動は、多くの努力を必要とせずに良い気分を促進します。ランニングセッションから料理、音楽鑑賞、歌まで。日本では、人々がこれらの活動の価値を認識し、称賛するのが一般的です。これは、よりリラックスした幸せな職場環境に貢献することができます。感謝されていると感じることが重要です。そうすれば、人々が自分自身に自信を持っていなくても問題はありません。

カラオケも日本で人気のある趣味です。日本人は仕事をとても楽しんでいますが、やることがたくさんあり、人生のあらゆる面からストレスを感じることがあります。一方、カラオケはリラックスの場であり、仕事を少し忘れて楽しんでいます。

人気が高まっているにもかかわらず、なぜ日本でこんなに多くの人が一人でカラオケに行くのか、人々は本当に確信が持てません。しかし、最も人気のあるレジャーの概念の1つとして、これは、独身の日本人の若い女性と男性が、詮索好きな目なしで自分の考えや感情を表現する方法になっているためである可能性が高いです。

日本の企業では、業績を上げるためのプレッシャーがたくさんあります。これは、従業員に多くの余分な圧力をかけ、彼らに心理的な問題を経験させることにつながる可能性があります。職場でAIの歌唱アシスタントを使用することで、スタッフはそのストレスを和らげ、仕事でのパフォーマンスを向上させることができます。カラオケは日本で人気の娯楽ですが、ほとんどの人はグループで歌うために個室を借ります。あなたはあなたの好きな歌を選ぶことができます、あるいはあなたが夜のために特定の歌を必要とするならば、あなたはあなたの会社の誰かに尋ねることができます。また、多くの日本企業は、オフィスに専用のカラオケルームを提供しています。

技術のおかげで、複雑な機器を購入することなく、家にいるすべての人にカラオケを転送することが可能になりました。古いカセット（CD、VCD、または必要なすべての曲が入ったDVD）を使用できます。このパンフレットは、それを行う方法のステップバイステップの説明を提供します。発音のような単純なものでも改善されています。今日では、ライブボーカルにマイクとシステム全体を使用して、より正確なフィードバックを得ることができます。さらに、マシンは音声の微妙な変化を検出して、そのフィードバックに基づいてより適切な決定を行うことができます。ただし、職場でのAIライティングアシスタントの使用を別の観点から見ると、成功したにもかかわらず、すべてのビジネスに適したツールは1つだけではありません。考慮すべき多くの考慮事項があります。たとえば、欠陥があるにもかかわらず自分の声を聞く必要があると感じる人もいます。そのような変数を検討するとき、決定は最終的には

カラオケはあなたの人生を楽しむだけでなく、あなたがすでに知っている人々との関係を築く方法です。それはあなたが仕事のストレスの多い忙しい性質から休憩を取り、より意味のある自分自身のための時間を見つけるのを助けることができます。

カラオケは日本とアジアで本当に離陸しました。人々が自分自身を再発見し、互いに協力することを可能にする楽しい活動です。日本の歌は世界でも有数の歌であり、お互いにバックアップをとることができることで、友人、カップル、同僚、家族にとってまったく新しいレベルの絆が生まれます。

驚くほど簡単に使用できます。私たちのキャビンに着くとすぐに、あなたはあなた自身の音楽を選んで、何も余分に支払うことなくあなたの好きな歌の1つを歌うことができます。これは、ビジネス志向の人々にとって非常に有益な機能です。食べ物や飲み物は、使用が必須ではない追加の製品です。歌うことはアジアで人気のある活動であり、彼らは通常カラオケバーでコンテストを手配します。これは、余暇に多様性を加え、自分自身をテストし、新しい人々に会うための良い方法です。私たち一人一人には才能があり、拍手と歓声を上げている群衆のために演奏します。私たちが彼らの自然環境の中で彼らに行くとき、私たちは彼らに私たちの好きな歌を体験させます。アジアの強い要求は何年にもわたって絶え間なく続いており、ビジネス目的よりもライブカラオケパフォーマンスを好む人々によって最終的には余裕があります。

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これらのパフォーマーは架空のものであり、アメリカの文化をヒップホップの主な源泉としか見ていませんが、彼らの視点はしばしば異なる文化から引き出されていることを認めています。たとえば、アフリカ・バンバータは「ヒップホップは無色」と言っています。これは、誰の文化もヒップホップになり得るという言い方です。彼らはアメリカ国外の異なる文化を探求します.

ヒップホップの最新トレンドは世界的な現象です。ラップだけでなく、ブレイクダンスやDJカルチャーも普及しています。伝統は1960年代に生まれましたが、国際的な若者に採用され、海外の10代の若者に人気があったため、1990年代にさらに普及しました。

日本のヒップホップに注目が集まっています。セレブリティが支持を表明し、ますます多くの人々がアートフォームにさらされるようになっています。ラップは他の国では重要な音楽と見なされることがよくありますが、日本では異なります。ヒップホップは最初はお互いを楽しませる方法として始まりましたが、その後その見方は変わりました。

ヒップホップは過去20年間で日本で長い道のりを歩んできました。以前はあまり興味を持って見られていませんでした。しかし、日本が国際的に普及するスピードと効果は、ヒップホップのコンテンツと人気の点で世界をリードしている理由の一部です。

過去20年間、日本のヒップホップはブレイクダンスのスタイルでアメリカのヒップホップとは大きく異なってきました。日本はこのスタイルを最初に発明したわけではありませんが、そのルーツを新しい形の文化的影響に成長させることができます。

誤解しないでください、ヒップホップは普遍的です。アメリカ国外や日本国外の方も含め、自分を表現したい方ならどなたでもご利用いただけます。グラフィティ、ブレイクダンス、DJ、ラップの4つの要素はすべて、1983年に始まった今日の日本のヒップホップカルチャーに見られます。そして今日でも、ラジオで聞く音楽の99％は.

日本のヒップホップの誕生につながったのは、映画「ワイルドスタイル」でした。ニューヨーク市の壁に落書きがあり、初期のラッパーやDJ（Grandmaster Flash＆The Furious Five）が登場します。しかし、若い日本人がヒップホップの独自の文化を発展させる動機は何だったのでしょうか。

ヒップホップはもともと日本で開発され、ロックやジャズの影響を受けて世界中に広まりました。これは1983年にIce-TやRun-DMCなどのMCがニューヨーク市での一連のコンサートのためにアメリカにやってきたときに起こりました。ヒップホップミュージックは聴き始めてから人生の大きな部分を占めてきましたが、

DJYutakaとDJHondaは、ヒップホップがグローバルなジャンルになる前に作り上げた2人の日本のDJです。 1980年代には、彼らは日本南部に文化を広めることに関与した主要なプレーヤーと見なされていました。彼らのアメリカへの旅行は、彼らがそのジャンルに不慣れな聴衆の前でヒップホップを演奏する方法を学ぶのを助けたので、彼らは人々に彼らが何をするかを教えることができました

最初のヒップホップダンスの流行は、代々木公園で練習している落書きやブレイクダンスの愛好家が大量に流入した1980年代初頭にさかのぼることができます。今日のヒップホップの伝説であるDJKrushは、当時ターンテーブルとグラフィティから始めた最初の人の1人です。

ヒップホップは1980年代半ばに日本中に広がりました。これは主にDJがビートを持ってきたことによるものです。 DJは日本とアメリカのヒップホップの間を行き来し、両方のスタイルの知識を広めました。その瞬間から、ヒップホップは通りから東京の家に移り、誰もがアクセスできるようになりました。

1986年、渋谷は世界初のヒップホップクラブをオープン。これにより、新しいジャンルの音楽への扉が開かれ、すぐに多くの日本のアーティストが以前よりもこのジャンルを推し進め始めました。高木完とクレイジーAは、音楽とヒップホップカルチャーの両方において、日本で最も影響力のある人物であるとよく言われています。

初期の頃、彼らの音楽スタイルはしばしば批判されていました。ただし、この記事では、bpm社長やTheGasBoysなどの他の人気ミュージシャンについて言及することも重要です。

80年代にはヒット曲がいくつかありましたが、その時代のアルバムや音楽の多くは見過ごされていました。 90年代初頭までに、日本のヒップホップは、ビートや韻を踏んだ若者たちの地下室の趣味に戻っていました。リズムを完成させてから数年以内に、Muro、Crazy-A、K-Dub Shineなどの多くの新しいミュージシャンは、最初のラッパーがリズムよりも音楽に興味を持っていることに気づきました。このような場所でヒップホップを作ろうとはしなかったのに気づきました。日本人のやり方。 90年代初頭のアルバムは、ヒップホップへのアプローチに大きな違いを示しました.

日本のヒップホップは今でも世界中でとても人気があります。これは主に、ラップミュージックとポップを組み合わせて独自の新しいスタイルを作成するという独自のジャンルによるものです。ラップは90年代後半に日本で最も人気のあるダンスになり、今では今日の文化を定義する非常に独特のサウンドを持っています。私たちの絶え間なく変化する社会のために、伝説は常に新しいときに作成されます. 今では多くの人が日本でヒップホップがどのように作られたかについての完全な話を知っていますが、それは20年以上前からあり、今も繁栄しています。日本独自のヒップホップの伝説が、困難な時期にこの文化を存続させ、関連性を維持してきたという話があります。DougEFreshやGrandmasterFlashなどのコミュニティのためにすべてを行った人々に焦点を当てています。

そこで、日本のヒップホップカルチャーの起源について考えました。しかし、現代の生活とテクノロジーについて言及しなければ、話は不完全になります。現在、ヒップホップのパフォーマーにはさまざまなバリエーションがあります。 Soul’d Out、SUIKEN、S-WORDなどのスターが登場してからしばらく経ちます。ヒップホップは禁じられた果物から主流の現象へと進化し、

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日本の音楽のスタイルで、J-PUNKムーブメントの別種でもあり、亜種でもある。ジャマイカ固有のモチーフと、Jパンク/Jロック/ジャズのモチーフを加えたものの両方が含まれています。代表的なバンドは、村正と女性だけのグループ「俺スカバンド」です。

人気度

この音楽ジャンルは日本文化の一部であり、アニメのOSTでもJ-POPと一緒に使われているため、J-Rockはアニメや漫画のファンだけでなく、日本文化全般から強い反響を呼んでいる。そのため、米国で開催されるアニメコンベンションには、日本のロックバンドが頻繁にゲストとして参加する。ヨーロッパ諸国では、日本のロックは専用の情報ポータルサイトで公式に宣伝されている。日本以外では、ロシア、アメリカ、スペイン、フランスなどにファン層が広がっている。

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このジャンルの大きな盛り上がりは、メタルバンドX-Japanの人気に端を発している。彼らが登場したのは、日本の音楽業界全体が盛り上がりを見せていた80年代半ばのこと。X-Japanの音楽には、伝統的なロック楽器だけでなく、バイオリンやピアノといった他の楽器も使われている。ハードロックはBUCK-TICKにも大きな影響を与え、X-Japanとともにメンバーがメイクアップを始め、今流行のファンサービスをいち早く映像で表現していた。

ジャズ、オルタナティブ・ロック、メタルといった音楽ジャンルが多くの影響を与えた。日本のロックバンドの作品には、メタルバンドDのアルバム『闇の国のアリス～波紋～』に収録されているMad Tea Partyや、アイクルのシングルであるKinebi、THE GOLDEN SPIDER、Sugar、D=OUT、浅草ジンタ、Glacierなど、主流とは関係なくブルースやジャズの方向で書かれた瞬間や曲全体を耳にすることがよくある。
オルタナティヴ・ロックからJ-Rockへ、サウンドの実験と異なる方向性の強い融合を継承し、特にGazettE、Dir en grey、Maximum the Hormoneなどに顕著に見られる。通常バンドは、新作を出すたびに新しい方向性で録音したり、マキシマムザホルモンのように1曲の中でいくつかの方向性をミックスしたりして、音を実験しています。

また、ヘビーメタルやハードコアといったジャンルの影響もあり、他の国のロックシーンにはないハードなサウンドのギターを使うバンドが多いことも特筆すべき点である。例えば、日本のポップロックバンドであるアンカフェは、曲中に叫び声を使い、欧米のポップロックバンドよりもヘビーなサウンドを持つことが多い。基本的にメタルは、X JAPAN、メタルサファリ、ガルネリウスといった洋楽志向のバンドや、コテコテのビジュアル系の中で広まっていったと思うんです。ハードコアとその派生型は、現代の「若者グループ」や「裸の鍵盤バンド」の間でより人気がある。
J-POPと同じように、日本のロックバンドも分かれている。

• メジャー – 「リッチ」 – （メジャーレーベルと契約しているバンドで、通常すでに人気があったり、元々コマーシャルプロジェクトとして結成されたりしている。）
• indie – “free” – (インディーズレーベルから自由な条件でレコーディングする新進気鋭のバンドに多い)

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いわゆる「アイドルグループ」であり、オリコンチャートで女性アーティストの記録を持つモーニング娘や、世界最大のポップグループとしてギネスブックに登録されたAKB48が有名である。アイドル業界を牽引するのは、モーニング娘。を代表作に持つハロー！プロジェクトや、AKB48と並ぶ売上を誇る少年隊「嵐」を代表作に持つ男性アイドル事務所「ジャニーズ事務所」などである。

日本レコード協会では、音楽制作やネット販売に関するあらゆる統計をとっています。最近のAKB48の報道では、2013年の売上高の落ち込みは、爆発的に売れた2012年の前の、長期にわたる音楽業界の衰退期に戻ったとしか考えられないという。一般に、日本の音楽産業は1998年をピークに着実に右肩上がりになっていると言われる。2012年の業績は、2つの要因が重なったことで一瞬の出来事となりました。

まず、1998年から始まった日本の音楽ビジネスの衰退は、AKB48をはじめとするアイドルグループの人気上昇と相前後して起こった。このようなバンドの基本モデルは、メインストリームに乗っ取られていない市場のニッチを見つけ、そのアイデアからバンドグッズなどの記念品の販売を通じて最大限の利益を搾り取ることである。AKB48マシンは、ファンとのコミュニケーションや、同じCDを何度も買ってもらうための「選挙」への投票参加など、最も洗練されたマーケティングツールを採用しています。つまり、AKB48とそのツインバンドは、シングルチャートで上位を占め、売上も桁違いだが、CDは音楽売上としてカウントされず、ほとんど耳に入らない「アイドル」という道具の一部になっている。

2012年のAKB48の売上は高かったが、このガールズバンドのビジネスモデルは、音楽業界を長く維持することができない（写真：時事通信社）。

次に、2012年は、Mr.Children、山下達郎、松任谷由実など、日本のシーンのベテランたちが再登場し、新譜やベスト盤をリリースして、その年のチャートの上位に食い込んできたこと。2013年にレコード会社が仕掛けを繰り返そうとしたものの、もはや材料が残っておらず、仕掛けは失敗に終わった。

アイドルバンドのCDが、特に熱心なファンに売れたり、多くの昔のアーティストが新しい包装で再販されたりして、日本でのデジタル音楽市場の完全な失敗をしばらくはカバーすることができたのです。2009年に900億円を超えたデジタルアルバムの売上は、2013年には半減以上しています。購入した楽曲を機器間でコピーすることを禁止していたレコチョク携帯音楽ダウンロードシステム（つまり、携帯電話で購入した楽曲を例えば自宅のパソコンで聴くには、再度購入しなければならない）から、スマートフォンでもパソコンでも自宅のステレオでも再生できる、よりポータブルなデジタルフォーマットへの移行が大きな理由と思われます。

つまり、日本の音楽産業は、新しいファンを獲得するという拡大路線ではなく、今いるファンから絞り出すという集中路線で売上高を伸ばしてきたのである。この方法は、「美人」「お笑い」「ノスタルジー」という3つのマーケティング・クジラに基づき、驚くほど効果的であることが証明された。その一方で、日本の音楽業界は、音楽の売り方を忘れてしまったようだ。

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J-POPまたはJ-POPは、日本のポピュラー音楽を分類するための包括的な用語で、「ジャパニーズ・ポップ」の略称である。日本ではロックにも使われることがあるが、J-ROCKとは別の言葉として使われることがほとんどである。そのため、日本のロックミュージシャン（ヘビーメタルのジャンルは除く）は、自分たちの音楽の一部をJ-POPと呼ぶことが多い。
初めてJ-POPという言葉自体がラジオ局のJ-WAVEで使われ始め、本来は常に欧米風に発音され、録音されていたのだ]。同時に、AAAボーカルの日高光啓は、J-POPはもともとユーロディスコというジャンルから生まれた恣意的な用語であり、国内では絶大な人気を誇っている、と考えている。しかし、「J-POP」という言葉は、90年代を代表するロックバンドが指すようになり、ミュージシャンの中にも、人気のモチーフを作品に登場させることでジャンルを指すようになるなど、より一般的になっていった。1990年、タワーレコードは、インディーズ音楽（J-indieと呼ばれる）を除き、日本のレコード会社に属するすべての邦楽をJ-POPと定義した。

J-POPという現象は、昭和初期に流行したジャズをルーツとしている。ジャズは、それまでクラシックや軍隊の行進曲に使われていた、日本人の耳には違和感のあるさまざまな楽器を導入し、当時の日本の音楽シーンに「遊び」の要素を加えていったのです。その結果、音楽喫茶はジャズのライブハウスとして人気を博すようになった。

第二次世界大戦中、帝国陸軍の圧力で、ジャズは演奏されなくなった。戦争が終わると、日本を占領していたアメリカの兵士たちは、ブギウギ、マンボ、ブルース、カントリーミュージックなど、さまざまな音楽スタイルを持ち込んだ。笠置シヅ子「東京ブギウギ」（1948年）、江利チエミ「テンシー・ワルツ」（1951年）、美守ひばり「お祭りマンボ」などが人気曲であった。JATPやルイ・アームストロングなど、海外の音楽家やグループが来日し、コンサートを行った。1952年は、日本におけるジャズブームの年であった。しかし、このジャンルは技術力が必要であり、演奏するのは難しい。そこで、日本のアマチュア演奏家の多くは、演奏しやすく、聴きやすいカントリーミュージックに目をつけたのである。
カントリーミュージックの影響もあり、日本では1956年からロックンロールラッシュが始まった。小坂和也とワゴンマスターズは、エルビス・プレスリーの名曲「ハートブレイク・ホテル」を自分たちの解釈で演奏したことを紹介した。ロックンロールは1959年にピークを迎え、日本のロックンロールバンドが多数登場した。しかし、アメリカでのロックンロールの快進撃は長くは続かず、日本での人気も下降気味になった。日本の個々のバンドは、日本の伝統的なポップミュージックとロックンロールを融合させようとした。唯一成功したのは、坂本九の「上を向いて歩こう」（世界では「スキヤキ」と呼ばれる）である。(「すき焼き」)です。また、他のアーティストがアメリカの人気曲の歌詞を日本語に翻訳して演奏することになり、いわゆる「カバーポップ」が誕生した。しかし、その後テレビの時代になり、誰もが自分のテレビを買って音楽の演奏を見ることができるようになった。カバーポップスの人気は衰えた。とはいえ、今世界中で流行っているカラオケは、それに直結している。
70年代前半から80年代半ばにかけて、ギター伴奏のシンプルな曲から、より複雑な構成の「ニューミュージック」（ニュー：ムー：ジック）へと移行していった。歌詞の色合いや内容も変化していきました。コンポジションの社会的志向が弱まり、愛や内面的な感情を重視するようになった。吉田拓郎や井上陽水は、ニューミュージックの代表的な存在であった。

1980年代には、都会的なテーマを強く打ち出した大都市のポップミュージックを「シティポップ」と呼ぶようになった。このジャンルの曲は、ほとんどが東京で作られたものだ。シティポップとニューミュージックの違いはごくわずかであることから、「和製ポップス」（日本発のポップミュージック）という新しい言葉が生まれ、これが両者の通称となった。J-POPという言葉が世界で一般的になったのは、1990年代に入ってからである。

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音楽はアニメの魂です。例えば、ヴァン・ピース、バルサの『スリラー』では、「Bings Sake」というトラックが、見る人をより深く物語に引き込む手助けをしています。アニメというジャンルは、サウンドトラックがなければ、これほど魅力的なキャラクターは生まれないでしょう。アニメにおいて、イラストやプロット、演出と同じくらい重要な役割を担っているのが、オーディオビジュアル要素であることは、皆さんも認めるところでしょう。

アニメのサウンドトラックは、そのプロットの深さや登場人物の多様性と同じように、さまざまな種類があります。

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日本ではX JAPAN、Buck-Tick、Luna Sea、Malice Mizerなどのバンドがこのスタイルを確立し、欧米のグラムロックバンド、特にKissやGuns and Rosesに大きな影響を与えた。ビジュアル系は、音楽だけでなく外見でも自分の魂や才能の一端を伝え、音楽と外見が一体となって共通の意味を持ち、聴く人に衝撃を与え惹きつけることが本質である。ヴィジュアル系の美意識の中心は、アンドロジナス（両性具有）の人間像である。日本人の感覚からすると、女性的な男性が化粧をするのはゲイではなく、逆にレディーズマンと言えるでしょう。ビジュアル系は、好きなミュージシャンをイメージした女性ファンが中心となって、サブカルチャーとして発展してきたもので、その多くは男性であり、女性らしいメイクや服装をしていた。
ファーストウェーブ、日本のグラムメタル（1982年～1992年）

1970年から1980年にかけて、ヨーロッパではグラム・ロックやメタル・バンドが人気を博した。両ジャンルのトリビュートであり、メイクアップ効果やショッキングなイメージ、華麗なステージングで人気を博した当時最も有名なバンドの一つ、キスは1977年に東京の日本武道館スタジアムで公演を行いました。このイベントは日本中に興奮の波を巻き起こし、後に創設者となるヴィジュアル系hide（本名・松本秀人）に強い印象を与えた–実は彼は、このアルバム「Kiss Alive! その後、ヒデは地元横須賀の非公式キッスファンクラブに入会し、1年後に初めてギターを購入した。

1982年、ヒデは林芳樹に誘われ、日本のロックバンドとして初めて世界的な成功を収め、ビジュアル系の先駆者であるX JAPANに参加する。1979年から（非公式に）活動していたバンドだが、1985年にベトナム戦争をテーマにしたシングル「I’ll Kill You」でデビューした]。インディーズバンドから脱却するため、そして他とは違う存在になるために、ヨシキとヒデは、ヒデがファンだった欧米のグラムメタルバンドのイメージをいち早く取り入れた。彼らはすぐにメジャーになり、日本で最も成功したロックバンドとなった。”あなたのアートの本質は何ですか？”という問いに対して 吉木は「サイケデリック・バイオレンス-視覚的衝撃の犯罪」と表現した。その後、簡略化のためにビジュアルという言葉だけが残り、やがてビジュアル系という現代的な名称になった。

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「ノイズは、実験音楽の中でも最も先鋭的な分野と考えられています。その理由は、文字通り「ノイズ」という名前自体が、このジャンルをよく表しているからです。様々なスペクトルの全く構造化されていないノイズ、あるいは発音や録音時の最小限の繰り返しという形をとる、直接的な娯楽的音形態です。

すべての始まりの場所

70年代の終わりには、すでにヨーロッパ全土でパンク音楽が大流行し、人気さえ出始めていた。人々は利益のためにパンクに走ったが、自分の意見の過激な表現や抗議のためではなく、このジャンルの原点と根本的に矛盾していたのである。しかし、日本では、1978年のセックス・ピストルズの第一次解散まで、「パンク」はやってこなかった。当時、東京、大阪、神戸、京都には、それぞれロックバンドがあり、クラブがいくつかあり、無道会というものがあった。

日本の文化は、しばしば西洋の文化動向を借用した。パンクもそうだが、日本の伝統主義、型にはまった音楽とは相性が悪く、世界的に衰退していく中で、自分らしさを出すのは難しく、ましてやそこに「高み」を求めるのは難しい。クリエイティブで有望な若者たちに残されたものは何だったのか。新しい形を探すために!

ヒデとジョジョ・ヒロシゲという2人のマニアが、実験バンド「ウルトラバイド」を結成したのだ。欧米のパンクの根幹を揺るがすような1枚目のリリース。

バンドはジャンルの方向性と、その文脈の両方を実験していた。そのため、演奏は演劇に近い印象で、音に関しても何かカオス的で、インダストリアルという域を出ていない。

その後、サウンドに自分らしさを見出し、カルトなノーウェーブバンドとしての地位を固めていった。この頃すでに、無造作にドラムを叩いたり、個々の音を意図的にループさせたりと、渋いながらも「ノイズ」の要素を取り入れていたことは特筆に価する。

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クラシックから現代のロックやポップスまで、あらゆるジャンルの音楽のボーカルパートを作成するのに適していますが、日本で人気のあるジャンルが中心となっています。主な流通経路はインターネットであり、KarenTなどの専門サイトでのCD販売や、日本最大の動画投稿サービス「ニコニコ動画」での無料視聴、また、世界的な音楽共有に関心を持つユーザーがYouTubeに曲をアップすることもある。また、ボーカロイドがホログラフィックスクリーンに投影される形で演奏するコンサートも開催されています。ボーカロイド楽曲を題材にしたコンピュータゲームでは、「Project DIVA」が有名です。

キャラクターとしてのボーカロイドは、商品箱の画像をもとにアニメ調に描かれることが多く、そのキャラクターのわかりやすさから、コスプレの対象にもなり、コレクション性の高い玩具も多くあります。

日本でのボーカロイドの人気は非常に高い。Googleによると、ボーカロイドの初音ミク（初音ミク Hatsune Miku）は、最も人気のあるアイドルグループAKB48と比較され、インターネットの日本セグメントにおける検索クエリー数で、The GazettE、Gackt、モーニング娘などの日本の有名アーティストを上回ったとのことである。ニコニコ動画のボーカロイド楽曲のうち、約150曲が100万回再生を達成しています。

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